W. Eugene Smith :

está considerado como uno de los padres del reportaje fotográfico.
Su actividad durante cuarenta años, desde los años 40 hasta los 70 del siglo pasado, han hecho de él un referente para aquéllos que quieren reflejar la realidad mediante la fotografía.

¿Qué es lo que hizo W. Eugene Smith en Deleitosa ?
Smith no se limitó a realizar una serie de fotografías sobre el pueblo y sus habitantes, realizó un trabajo de investigación social.
Anotó todos los nombres y edades de las personas entrevistadas, estableciendo una relación con las personas retratadas.
Realizó 1.575 fotografías de Deleitosa y para la redacción final del reportaje utiliza un informe de 24 páginas, con información general sobre España.
Es un análisis socioeconómico, que se centra fundamentalmente en la producción agrícola, los trabajadores, condiciones de trabajo, seguridad social, redistribución de la tierra, paro, analfabetismo, precios, ...

El reportaje fue publicado en Life, en una época en que las revistas gráficas estaban en pleno auge, aún no había aparecido de forma masiva la televisión.
En el reportaje se incluyeron 17 fotografías de W. Eugene Smith.
Se publicaron unos 22 millones de ejemplares entre la edición original y las reediciones.

Hoy las revistas gráficas no existen y los medios existentes no cultivan el ensayo fotográfico, aspecto con el que estamos totalmente en desacuerdo, pero son las leyes del mercado.
Pensamos que hoy en día sigue siendo necesario el análisis de una realidad tal y como W. Eugene Smith nos enseñó, y que la fotografía sigue teniendo el valor de reflejar la realidad.
Los reportajes con opinión del fotógrafo son intemporales.

El trabajo de Smith sobre Deleitosa, nos hace reflexionar, hoy en día, sobre la gran evolución que el mundo y en especial el mundo rural ha sufrido en España.
En sus imágenes de hace cincuenta años vemos una forma de vivir y de trabajar cercana a la edad media: separación del trigo de la paja apoyándose en el viento, la imagen de "ir a por agua" a la plaza del pueblo denota que no existían las infraestructuras adecuadas dentro de los hogares de los habitantes de la población, ...

David Nebrada :

“he pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”
Es muy posible que el nombre de David Nebreda no les sea muy conocido y es porque en realidad es poco lo que se sabe de el, es mínima la información que pude obtener sobre este personaje. Pero eh aquí algo sobre su vida y obra.

David Nebreda nació el primero de marzo de 1952 en Madrid España, diagnosticado de esquizofrenia paranoide crónica a la edad de 17 años. Estuvo internado en varias clínicas durante años hasta que un día decidió abandonarla, dejando el tratamiento sin impórtale.

Se dice que vivía solo en una casa en Madrid que solo tiene 2 habitaciones, la cual usaba como taller y casa. Es vegetariano desde hace 30 años, practica el ayuno y la abstinencia sexual y se somete a extenuantes ejercicios físicos. También disfruta autolesionarse; causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurra.
Tras pasar por todo este tipo de mutilaciones, nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías.
“Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard.

En sus fotografías David aparece desnudo, con la piel pegada a los huesos y el cuerpo lacerado, así como también embarrado de su propio excremento.
Muchos críticos de arte han declarado que sus fotos son muestra de un arte formalmente perfeccionista, lleno de tenebrismo; mismas que recuerdan al pintor caravaggio, creador de este término tan conocido.

En su autoexilio nebreda crea una gran cantidad de autorretratos y algunos dibujos que fueron pintados con su sangre. Mismos que hoy se encuentran en la edición Autoportraits, realizada por Léo Scheer.
Obras cuidadas hasta en el último detalle en el sentido de la iluminación y decoración de lo que era su mundo sin salida, su espacio donde el mandaba y no tenia que obedecer a nadie. El autor intenta de este modo tan dramático mostrar su vulnerabilidad y mortalidad para mostrar su realidad. “he pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”, argumenta nebreda. ¿Pero merece la pena castigarse así?

Su obra casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia; a eso se debe la poca información en español que pude encontrar acerca del autor.
Las reacciones sobre su obra siempre son extremas: rechazo absoluto o fascinación.

Encerrado en esa casa David intenta curarse haciendo frente a su enfermedad tomándose fotografías de su cuerpo mutilado, de esta forma quiere vencer el miedo que siente de ese padecimiento del que ha sufrido tantos años, así que representándose en una imagen le da la oportunidad de aceptarse como es y seguir la vida.

Mucho es lo que sea cuestionado sobre la legitimidad de esta historia ya que es de sospechar como hacía para revelar las fotos, misma que notan un buen proceso de revelado que difícilmente se lograría en las instalaciones de su casa. También se dice que es vegetariano y pues a la mejor tenía una huerta en el patio, porque no salía para nada de su casa. También publicó un libro mientras estaba encerrado.

Estas y muchas otras cosas se dudan del autor. Pero de lo que no cabe ni la menor duda es de la calidad de sus fotografías, cuidadas y realizadas con gran intensidad. La fuerza de las imágenes en sí mismas (olvidándonos por un momento que reflejan la vida del autor) es impresionante. No pueden dejar a nadie indiferente al verlas.

Joel Peter Witkin:

en el Círculo de Bellas Artes de Madrid es seguramente una de las que más llaman la atención. Witkin es todo un clásico después de más de 20 años paseando su nombre y sus imágenes por todo el mundo, unas imágenes que no dejan indiferente a nadie, imágenes provocadoras que dejan atrás hasta las de otros controvertidos artistas como el mismísimo Mapplethorpe, al mostrar realidades que acostumbramos a ignorar, dándoles la espalda por no ajustarse a los cánones de belleza a los que nos tiene acostumbrada la televisión, o por suponer un revulsivo frente a la alienación a la que nos vemos sometidos por voluntad propia para evitar hacernos demasiadas preguntas sobre la realidad que nos rodea y sobre nosotros mismos.
Witkin aborda desde el principio de su carrera el tema del otro centrándose en los otros que llevamos dentro: los que no somos pero que podíamos haber sido (enanos, gente deforme) y los otros que podemos ser en potencia, a través de metamorfosis de nuestro cuerpo deseadas o no (transexuales, tullidos), o que vamos a ser tarde o temprano (cadáveres). Sin embargo Witkin busca la belleza en todo ello, lo grotesco se trata con compasión y respeto, y nos obliga a enfrentarnos a la dura realidad, lo efímero de nuestro ser y lo fortuito de nuestra existencia y nuestro bienestar. Con ese trabajo intenta entender, mostrar, hacer reflexionar a quienes se atrevan a mirar, a ver, a quienes no se den la vuelta tras la primera foto y ahonden en los detalles. Porque todo lo que Witkin fotografía existe, esta ahí, aunque no queramos darnos cuenta.





La forma
Witkin no tiene nada que ver con el fotógrafo - cazador de momentos. Es un artista que primero imagina con detalle y hasta dibuja lo que quiere mostrar y luego busca hasta encontrar el modelo adecuado y el decorado ideal. Ha llegado a poner anuncios en prensa buscando enanos, tullidos y todo tipo de freaks para posar en sus fotos. Visita las morgues en busca del cadáver que más se ajuste a su nueva idea o de restos de cuerpos que le sirvan para montar una de sus peculiares y nunca mejor llamadas naturalezas muertas.

Elementos de la cámara Fotográfica:

Objetivo: sistema óptico compuesto por varias lentes, que canaliza la luz que reflejan los objetos situados ante él.

Obturador: sistema mecánico o electrónico que permite el paso de la luz a través del sistema óptico durante un tiempo determinado.

Diafragma: sistema mecánico o electrónico que gradúa la mayor o menor intensidad de luz que debe pasar durante el tiempo que está abierto el obturador.

Sistema de enfoque: gradúa la posición del objetivo, para que la imagen se forme totalmente donde está la placa sensible.

Sistema de deslizamiento de la película: sistema que permite desplazar una nueva película antes de cada toma

Visor: sistema óptico que permite encuadrar el campo visual que ha de ser fotografiado.

Caja: estuche hermético a la luz y de color contiene todos los elementos anteriores y constituye el cuerpo de la cámara

TIPOS DE LENTES:

Muchas cámaras usan lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud focal, que no es mas que la distancia que existe entre el centro óptico del lente y el punto donde este enfoca (el plano de foco).
La longitud focal es lo que determina cuan cerca o cuán lejos aparecen los objetos cuando la imagen se proyecta en la película o el sensor. Esto es lo que se conoce como aumento. La potencia de este aumento se mide en milímetros.
Además de esto, la longitud focal determina que parte de la escena es visible o lo que se conoce como ángulo visual.
Todos estos elementos determinan como el observador ve el trasfondo y el objeto fotografiado.
Cuando un fotógrafo habla de la velocidad de sus lentes, simplemente se refiere a la cantidad de luz que se trasmite a través del lente hasta el sensor o la película.

Una apertura grande (f4 por ejemplo) permite que entre más luz que una apertura pequeña (f16). Mientras mas rápido es el lente más caro es.
Existen básicamente tres tipos de lentes en la fotografía moderna.
El lente normal que proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios ojos sin mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se conoce como un lente estándar para una cámara de 35mm o DSLR.
La telefoto por el otro lado, permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales para fotografías desde los hombros hacia arriba.
Un lente de 200mm es el telefoto más común. Los paparazis, fotógrafos deportivos y los observadores de aves utilizan por lo general telefotos de alrededor de 400 a 600mm.

Finalmente, los lentes gran-angular son el lado opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de lejos de lo que está en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual es mucho mas grande. Los lentes de menos de 35mm son considerados gran-angular. Los lentes alrededor de los 24mm se consideran ultra-gran-angular.

Actualmente, el mercado se ha abocado a dos tipos principales de lentes: los lentes de longitud focal fija (Primordial) y los lentes Zoom. Estos últimos le permiten variar la longitud focal (y por lo tanto el ángulo visual) mientras que el foco permanece constante.
Los lentes Zoom tienen diferentes longitudes focales, como ya dijimos, y esta puede ser cambiada mediante uno de los anillos en el lente. Anteriormente todos los lentes zoom eran telefotos por lo que muchas personas usan los términos para significar la misma cosa. Esto es un error, puesto que hoy en día existen lentes zoom que van desde gran-angular hasta telefoto.

Usted puede haber oído hablar de un lente macro. Estos son utilizados para macro-fotografía o de acercamiento. Estos lentes tienen las mismas características de los lentes normales, pero permiten enfocar mucho mas de cerca al sujeto. Estos lentes tienen por lo general una longitud focal de 50/55mm o 90/100/105mm. Mientras mayor sea la longitud focal mas lejos podrá usted colocarse del sujeto.
Los lentes Ojo de Pescado o “Fisheye” se parecen a los ojos de los peces y tienen un ángulo visual de casi cerca de los 180 grados. Las fotos que se obtienen con estos lentes siempre muestran distorsión en los bordes de la foto

CAMARAS CONVENCIONALES DE ROLLO :

Fotos con negativo:
Lo ideal para poder analizar una fotografía adecuadamente es obtener el negativo original. En muchas ocasiones obtener prestado el negativo original es casi imposible. Para estos casos el investigador debe llevar consigo un lente de aumento poderoso para analizar el negativo en la residencia del testigo en el acto.
En el caso de fotografías que salen oscuras se le debe explicar al testigo que existen métodos para resaltar y traer un grado de iluminación en estas áreas y que para ello es necesario que se le preste temporalmente el negativo. Si el investigador no tiene los medios para hacer esta operación debe ser honesto y no solicitar el negativo prestado

Fotos sin negativo:
La contestación más común de un testigo es que no sabe dónde está el negativo. Esto no necesariamente implica una actitud errónea del testigo. Personalmente he tenido la experiencia que he extraviado negativos o me he dado cuenta muy tarde que la casa de revelado no me entregó todos los negativos. Usualmente las fotos que nos llegan son copias y en muchas ocasiones no es imposible entrevistar al testigo que tomó la foto. Por ello el investigador que no ha tenido acceso al negativo original no debe llegar a conclusiones definitivas.
Procedimiento de análisis para cámaras convencionales:

El primer paso es entrevistar a la persona que tomo la fotografía y asegurarse que su versión está de acuerdo con la secuencia y contenido de las fotografías tomadas. El número de secuencia del negativo debe concordar con el tiempo en que se tomo la fotografía. Se prefiere que el negativo este sin cortar del rollo de película. Si el negativo está fuera de secuencia según la versión brindada por el testigo y además está suelto entonces se debe sospechar que el negativo ha sido probamente expuesto a una doble exposición o a otro tipo de trucaje.
Obtenga información de la cámara utilizada: modelo, tipo de rollo, tipo de lente, distancia focal de la cámara, apertura, velocidad de exposición, y condiciones de iluminación cuando se tomó la fotografía, distancia a la que se tomo la foto del objeto en cuestión, a que velocidad se desplazaba el objeto y en que dirección, el ángulo al cuál se tomo la foto, el ángulo de elevación del objeto, la localización exacta de donde se tomó la foto, y el nombre del laboratorio que revelo la foto.

Análisis de negativo:

Todo investigador que piensa analizar una evidencia fotográfica debe estar consciente que las cámaras y los rollos de película no son perfectos y además debe estar atento a las personas que voluntariamente por motivos desconocidos o involuntariamente causan condiciones y producen imágenes dentro en una fotografía que pueden aparentar eventos relacionados al fenómeno OVNI / Extraterrestre. Este artículo está orientado a brindarles en forma condensada mis consejos de como evaluar una imagen fotográfica y una imagen digital al aficionado de la investigación OVNI. Tengan presente que muchas fotos falsas se han dilucidado simplemente usando el sentido común. Debo aclarar que este artículo no está orientado al fotógrafo profesional o a personas que tienen acceso a equipos sofisticados de análisis de imágenes.
Conocimientos Básicos:

Todos tenemos que conocer que las siguientes condiciones pueden surgir y afectar una fotografía:

Rayos en el negativo.
Imperfecciones en los compuestos químicos del negativo.
Imperfecciones en el papel de revelar películas.
Imperfecciones en el proceso de revelado.
Doble exposición de la película.
Reflejos de luz internos en el sistema óptico de la cámara.
Defectos en el mecanismo de exposición de la cámara.
Articulado sobre el lente y el interior de la cámara.
Señales de condensación de humedad en el sistema óptico de la cámara.
Daños a los químicos de la película debido a humedad o exposición a altas temperaturas o a fuentes naturales de radiación.
Daños o efectos ópticos por el desarrollo de corriente estática en la cámara.
Imperfecciones en la foto causados porque la cámara no cierra bien y la luz penetra en su interior.
Debido a todas estas razones anteriores la entrevista a los testigos es tan importante como el análisis de la fotografía.

LENTES Y FILTROS:

El cuerpo del lente tiene lentillas de cristal para producir la imagen que tenga enfrente con calidad.
Lentes compuestos de elemento plástico, cristal, policarbonato.
Funciones del lente:
Profundidad de campo- abertura
Luminosidad entre más calidad tiene los elementos mayor posibilidad.
Lente- ayuda enfocar especie de tomar enfoque crítico.
Aplicación de la imagen: los lentes van hacer reconocidos por su longitud focal es lo que determina que tan lejos o cerca se proyecta la película, tiene una longitud focal específica.
Longitud focal- que tan cerca o lejos proyecta la imagen.
Angulo de visión- tomar fotografías de un ángulo.
Lentes angulares- ángulo de visión mas amplio visión humana 50 milímetros.

 

Autor: Gastón Rocha Romero.

Serie: El compadre.

No me gusto esta imagen, no me expresa nada, considero que no esta muy bien enfocada, la iluminación a mi punto de vista no es buena ya que se pierde la textura del señor y eso hace ver a la imagen por una lado mas oscura y por el otro hace que resalte más  (falta de enfoque), la imagen se acorta y eso no la hace ver estética ya que si se observa bien continua sin tener un final.

Falto más creatividad, el señor recargado no me hace pensar ni llevarme más alla de una interpretación.

 

 

Titulo: Raúl Iván Martínez.

Cuenta cuentos

Autor: Gastón Rocha Romero.

 

Me gusto:

 Una imagen creativa, iluminada, enfocada, la textura muy bien detallada hace que no se pierda el personaje (el centro de  tensión), los colores que se manejaron se me hacen buenos ya que agrada a la vista y expresa armonía.

Se puede interpretar sin dificultad,  el contorno de la imagen se me hace muy buen manejo. En sí fue la imagen que más me gusto por que se hace ver distinta a las otras imágenes. Hace que pierda lo casual, y eso se me hace muy bueno ya que a mi punto de vista  la imagen la vuelve  importante y subjetiva, y  esto hace que salga un poco de lo casual al poder ver creatividad a mí parecer.

Galería de Arte y Ciencia: Foto septiembre

Titulo: Dejavu

Autor: Ángel Daly.

 

Esta imagen no me gusto, cuando la vi dije a la madre  parece hulk

Creo que es un magnifico ejemplo de lo que se puede hacer con una imagen

Cuando no se tiene idea de lo que se quiere.

 

No se distinguen las complexiones de las personas, el color que utilizaron resalta mucho y eso hace que la imagen se altere y no se distinga bien, las modificaciones que le hicieron a la imagen no favoreció consideró que si la hubieran dejado normal, tal ves me hubieran expresara lo que querían  interpretar.

 

Lo único que expresa esa imagen son dos personas del sexo femenino que por lo visto salen abrazadas ambas usando gafas de sol, También podemos ver que en esta imagen se concentraron mas en dar solo una silueta o una forma en vez de lograr mostrar mas las texturas de los rostros como les decía anteriormente.

 

Esta es una imagen que muestra las formas y siluetas del objeto y deja a un lado los detalles.

 

 

Titulo: venciendo el temor

Autor: Taty.

Esta imagen me gusto por que fue la única que cuándo la vi me expreso  miedo, tristeza, barreras,  creo que falto un poco más de color, se ve un poco   opaca, si se fijan al perrito le esta dando la luz de sol y eso hace que se distorsione un poco y hace ver la imagen una parte obscura y la otra con luz, se pudo ver logrado el mismo tono.

Considero que la pared de atrás resalta y llama más la atención  le quita al perrito total atención lo esconde un poco. Lastima la vista el color amarillento.

 

Pero en si fue la que más me gusto al momento de sentir lo que me quería expresar hizo que le pusiera más atención y poderla criticar ya que las demás las veía sin saber que me querían decir con la imagen.

Una exposición donde considero que pudieron dar más con todas las imágenes.

 

 

Biografía de Joel Peter Witkin:

-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Alburquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

 

 

 

Este mapa representa las diferentes formas que analiza a una imagen:

                                                Pensamiento a la fotografía:

En el ojo de mi mente, visualizo un detalle. La vista y la sensación aparecerán en una impresión. Si me excita, hay una buena ocasión que hará una buena fotografía. Es un sentido intuitivo, una capacidad que viene de mucha práctica.

Autor: Ansel Adams.

 

Lo más magnífico de las fotografías es que pueden producir imágenes que incitan la emoción basadas en un único tema.

Autor: Brassai.

 

Llevé la fotografía como un pato al agua. Nunca deseé hacer todo lo demás. El entusiasmo sobre el tema es el voltaje que me empuja sobre la montaña de la servidumbre necesaria para producir la fotografía final.

 Autor: Berenice Abbott.