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Produccion De Fotografia 1

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Gaspar Felix Nadar

Gaspar Felix Nadar

Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

  Se lanzó a la fotografía aérea, en 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir "El Gigante" de la ciudad de Petit-Bicetre, 10 años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomada sobre una sola placa al colodión de gran formato.

En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar".

Nadar fallece en 1910, dejando una enorme producción fotográfica: más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la hija de Paúl Nadar.

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Nicéforo Niepce

Nicéforo Niepce

En el año de 1822, Nicéforo Niepce, un químico francés, obtiene la primera imagen perdurable por medio del yoduro de plata. Usando una cámara oscura comprada a un fabricante llamado Chevalier logra, después de una exposición de ocho horas al aire libre, la imagen que desde entonces se conoce como "La mesa servida".

Posteriormente, Niepce se asocia con Daguerre, pintor y decorador, para continuar juntos experimentos con objeto de mejorar el procedimiento. Muerto Niepce, Daguerre continúa las búsquedas y descubre el "Daguerrotipo", procedimiento consistente en obtener imágenes sobre planchas metálicas impregnadas de vapores de mercurio.

Las imágenes de Niepce y Daguerre, eran obtenidas directamente en positivo, por lo tanto no podían reproducirse. Fue Henry Fox Talbot en Inglaterra, el descubridor del negativo y, por consiguiente, del sistema que permita a la fotografía su reproducción ilimitada.

En los años que siguieron, la cámara oscura y la fotoquímica tuvieron un desarrollo impresionante. Con el Daguerrotipo, la fotografía - así bautizada por Talbot - se vuelve popular y empiezan a surgir los fotógrafos profesionales.

Como uno de los más importantes cabe destacar a Nadar.
La plancha metálica es sustituida por el cristal y, posteriormente, por el celuloide, material más flexible. Las emulsiones químicas llegan a tener una gran sensibilidad y permiten la toma "instantánea" de imágenes en movimiento.

Es en 1887, que en los Estados Unidos, Aníbal Goodwin inventa el rollo fotográfico, mismo que Eastman/Kodak industrializará de inmediato, creando de este modo una de las bases sobre las que habría de edificarse la sociedad de consumo.

Eastman fabricó cámaras fotográficas a precios populares que venían cargadas de fábrica y tenían que enviarse al laboratorio para extraerles y revelar el rollo.
En 1897, Eastman Kodak lanzó el slogan siguiente: "Apriete usted un botón, nosotros hacemos lo demás."

Con el advenimiento de la película supersensible y, por consiguiente, de la instantánea, los hombres empezaron a preocuparse por representar el movimiento en su continuidad.

CINDY SHERMAN :

CINDY SHERMAN :

Irónica casi siempre y grotesca en muchas ocasiones, Sherman maneja con una soltura digna de admiración iconos y códigos visuales aprendidos de la publicidad, el cine, la historia del arte y, sobre todo, del papel cliché de la mujer de hoy en día, con cuya piel se ha vestido en tantas ocasiones

Entre 1975 y 1980 Cindy Sherman realiza una serie que titula “Untitled Film Stills”, la cual consta de retratos fotográficos que rompen con el modelo tradicional porque trascienden al sujeto retratado, desconstruyen al individuo: los convierte en pretextos con los cuales repesenta estados de ánimo y crea, también, estereotipos de mujeres que representa con humor e ironía.
Se sitúa a ella misma delante de la cámara y realiza series de autoretratos caracterizándose en diversos arquetipos de mujer de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, que van desde un ama de casa, una secretraria, una actriz, hasta una bailarina y una prostitua.
Situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras a color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa.

En 1981 realizará la serie “Centerfolds” donde sus mensajes irónicos se asimilan a la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas.
Este humor se transmuta luego a la imágen de lo grotesco, lo terrorífico e incluso lo repugnante, con la abierta intención de provocar al espectador.
Sherman realiza entonces “History Portraits” (1990), una serie de retratos en los que la mujer es representada como personajes de obras de arte pero transformadas completamente, mostrádolas desnudas o embarazadas y envueltas siempre en entornos provocativos.

A finales de los ochenta Cindy Sherman da un paso más y ahonda en la crítica al trato y la condición de la mujer, realizando fotografías en las que abundan comidas pudriéndose y penes de plástico. Por esta época crea su serie “Sex pictures” en la que toca el tema sexual con la misa estética: muñecas desmembradas, escenas sexuales con máscaras, con armas.
Ahora sus fotos pasan del blanco y negro de los primeros años a colores chillones que subraya el tono agresivo y dramático.

Carlos Jurado

Carlos Jurado

Biografía:

Nace en 1927 en el estado de Chiapas. En 1944 inicia estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y Maria Izquierdo.En 1951 trabaja en zona indígenas del país, produciendo materiales para la enseñanza.
En el transcurso de los años ha desempeñado diversas actividades tanto en la producción artística como académicas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.


Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.
a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Richard Avedon

Richard Avedon

Avedon fue el responsable de la revolución que sufrió el mundo de la fotografía de moda en los años 50, ya que consiguió que las modelos posaran de forma natural, riendo, andando y tal y como se portaban en su vida normal, en lugar de las envaradas poses a las que todo el mundo estaba acostumbrado.
Más adelante realizó unos retratos con una impactante calidad psicológica que, según sus propias palabras son la forma de explicar a los demás muchas cosas sobre mí
A los cinco años fue inscrito por sus padres en la Witt Clinton High School y después completó sus estudios en la Universidad de Columbia, de la que salió para inscribirse en la Marina Mercante Americana, en la que enrolado durante los años 1942 al 1944.

Cuando salió de la Marina se apuntó en las clases de Alexey Brodovitch, en el Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York. Fue precisamente Brodovitch, editor de la revista Harper’s Bazaar, el que contrató a Avedon como fotógrafo. Durante años (1947-1984) se encargó de retratar las colecciones parisinas y docenas de reportajes de moda.

Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World’s Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).

El año siguiente la editorial Simon y  Schuster publica el libro Observations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote.
Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.

Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.

Sus retrospectivas se han exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, la National Portrait Gallery de Londres o el Palazzo Real de Milán. Además, el trabajo de Avedon se ha podido contemplar de forma permanente en colecciones selectivas de prestigiosos museos como el Metropolitan de Nueva York o el Victoria and Albert Museum de Londres.

El fotógrafo neoyorquino falleció en el hospital San Antonio (Texas) el 1 de octubre de 2004 tras sufrir una hemorragia cerebral mientras realizaba un reportaje para el periódico The New Yor

Manuel Alvarez Bravo

Manuel Alvarez Bravo

No

Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.

Nació el 4 de febrero de 1902 en la ciudad de México, su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la profesión que lo proyectaría a todo el orbe, fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

puedo explicar con claridad en que consiste el arte de Manuel, pero le da un toque de misterio a todo lo que enfoca. El realismo de sus fotografías no es un realismo crudo, y sus ambientes siempre están envueltos en una atmósfera lírica de gran atractivo. Con el blanco y negro en una tierra de color, Álvarez Bravo capta, desnuda y sintetiza el drama y la belleza de lo mexicano.

Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.

 

CARTIER-BRESSON

CARTIER-BRESSON

 

CARTIER-BRESSON, Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

Gerda Taro

Gerda Taro

Gerda Taro, cuyo nombre era Gerta Pohorylle, nació el 1 de agosto 1910 en Stuttgart (Alemania), en el seno de una familia judía en un ambiente altamente burgués.
Gerda se sentía diferente desde un principio: su energía vital, su belleza física y su autoestima inquebrantable, hacían de ella el blanco natural para el chisme envidioso de sus compañeras.
A los diecisiete años, estudia en un internado suizo y todo apunta a que se casará con un industrial inglés, para vivir una vida de enfant terrible, dentro de la alta sociedad. Entonces se produce un cambio en su vida mucho más importante de lo que inicialmente parece: su padre tiene que huir de Stuttgart por una cuestión de deudas acumuladas. La familia se traslada a Leipzig, una ciudad mucho menos burguesa que Stuttgart.
Los locos años veinte están a punto de acabarse y nacen los treinta, década de los grandes movimientos políticos radicales. Gerta conoce a Georg Kuritzkes, hijo de Dinah Gelbke, revolucionaria, comunista y conocida de Lenin.
Gerda descubre aquí su verdadero mundo: de la muñequita bonita, sale la mujer política, de convicciones muy fuertes contra el fascismo, contra la dictadura, contra un mundo inhumano. Nace también la Gerda que se enfrenta a los tópicos como a ella le place. (”Me doy cuenta que una puede estar perfectamente enamorada de dos hombres.¡ Que se vayan al diablo ! Si me comiera el coco sería muy tonta”, escribe a una amiga).
El 30 de enero 1933, Hitler es proclamado canciller del Reich. Su actividad política la lleva, rápidamente, a un enfrentamiento con este régimen. Gerda decide huir con una amiga a París después de haber sido detenida y puesta en libertad.
Entonces, una noche Gerda propone a Andre la creación de un personaje fantástico: el famoso fotógrafo norteamericano Robert Capa. Éste, según su fraudulenta historia, ha venido a Europa a trabajar, es demasiado famoso para quedar con nadie y vende sus fotos a través de sus representantes: Friedmann y Pohorylle, al triple del precio que un fotógrafo francés.
El truco funcionó a la perfección y el tándem comenzó a vender las fotos, hechas indistintamente por Friedmann o Gerda. Ha nacido el mito, el personaje, Robert Capa.
En el 36 la pareja se trasladó a España para captar todo el horror de la Guerra Civil.
Pasan la frontera por primera vez el 5 de agosto 1936, cuando apenas habían cumplido los 26 (Gerda) y los 23 años (Andre).
Armados con una Leica (usada sobre todo por Capa) y una Rolleiflex (en manos de Gerda), sacan las primeras fotos en una Barcelona hirviente y segura de la victoria.
Sus primeras fotos ya muestran lo parecido de su estilo, centrado en la experiencia humana de la guerra. Al margen de toda convicción política, más fuerte en Gerda que en Robert, ambos centran su interés en la gente sometida a las diversas situaciones de la guerra.

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Andrés Serrano

Andrés Serrano

En 1989 Andrés Serrano se hizo internacionalmente conocido cuando el senador de los Estados Unidos, Jesse Helms, atrajo la atención hacia su trabajo. Helms se violentó porque dinero del gobierno federal se había utilizado para costear una exhibición de Serrano titulada "Orina-Cristo:" la fotografía de un crucifijo sumergido en la orina de Serrano. Su trabajo posterior ha incluido fotografías que describen la trajectoria de la esperma en una ejaculación, gente sin casa, y el Ku Klux Klan.
Las fotografías recientes de Serrano, de cadáveres, crean interrogantes acerca de la muerte y el arte, arte y provocación. De primera impresión, estas reproducciones enormes hacen a uno preguntarse, cómo y cuándo y porqué Serrano hizo estas imágenes.
Es una costumbre en Serrano investigar el tema con una sucesión de imágenes que estan temáticamente relacionadas. Serrano insiste en examinar temas controversiales y poco agradables incluyendo representaciones religiosas, inhibiciones hacia los fluídos del cuerpo, racismo, el Ku Klux Klan y la injusticia con las personas sin casa.
Para Serrano "no hay limitaciones morales cuando se trata de arte, con la excepción de aquellas que el artista decide seguir con su conciencia." Algunos críticos neoyorquinos lo han acusado de tener valores dobles, queriendo impresionar y gustar a la misma vez.
Serrano evita ser moralmente instructivo, pero sutil y enérgicamente invoca asociaciones sicológicas acerca de la humanidad y su temporalidad.

JULIA MARGARET:

JULIA MARGARET:

Julia Margaret Cameron nació en la India 1815 y fue la más pequeña de cuatro hermanos. Dicen que era extravagante porque su comportamiento distaba mucho del de las mujeres de su época. Y la han descrito como masculina, por ser directa y sincera, por mostrar su espíritu de inciativa

En 1838, se casó con un hombre 20 años mayor que ella y volvió a la India, donde se convirtió en la guía del ambiente mundano de los europeos que residían en Calcuta. Aborrecía el excesivo formalismo de las convenciones de la sociedad colonial. En 1848, volvieron a Inglaterra, donde siguió deleitando a sus eminentes invitados —poetas, pintores, literatos,... — con sus originales puntos de vista.

En 1863, cuando Julia Margaret Cameron se quedó sola en casa —sus hijos ya eran adultos y su marido hacía frecuentes viajes a Ceilán— atravesó una profunda depresión por la inactividad y la falta de objetivos en su vida. Un día, su hija le regaló una aparatosa cámara fotográfica de madera, un objetivo Jamin y un equipo de revelado, con la siguiente dedicatoria: «Mamá, tal vez te guste hacer alguna fotografía durante tu estancia solitaria en Freshwater». Julia tenía entonces 48 años, y su hija ni podía imaginar la carrera que iniciaría su madre con ese regalo.

Su carrera fotográfica duró sólo 12 años, pero su técnica tuvo un gran impacto en la evolución de la fotografía moderna, sobre todo sus retratos de cerca.

MISHA GORDIN :

MISHA GORDIN :

Este fotógrafo ruso (1945), se ha dedicado a la fotografía conceptual en dónde su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad. Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando en todos ellos una atmósfera de constante búsqueda para expresar a través de este medio sentimientos y pensamientos.

Gordin define así la fotografía conceptual:

“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.”

Lograr plasmar realidades que más parecen sacadas de una imaginación surrealista, es lo que ha llevado a este artista a desarrollar estos conceptos que muestran la fragilidad del hombre enfrentado a su propio mundo, a un mundo que lo aleja y que lo confunde en la masa pero que a la vez lo rescata desde su propia individualidad.

Los invito a que miren este trabajo y se dejen llevar por sus propias sensaciones al observar a estos seres en blanco y negro.

W. Eugene Smith :

W. Eugene Smith :

está considerado como uno de los padres del reportaje fotográfico.
Su actividad durante cuarenta años, desde los años 40 hasta los 70 del siglo pasado, han hecho de él un referente para aquéllos que quieren reflejar la realidad mediante la fotografía.

¿Qué es lo que hizo W. Eugene Smith en Deleitosa ?
Smith no se limitó a realizar una serie de fotografías sobre el pueblo y sus habitantes, realizó un trabajo de investigación social.
Anotó todos los nombres y edades de las personas entrevistadas, estableciendo una relación con las personas retratadas.
Realizó 1.575 fotografías de Deleitosa y para la redacción final del reportaje utiliza un informe de 24 páginas, con información general sobre España.
Es un análisis socioeconómico, que se centra fundamentalmente en la producción agrícola, los trabajadores, condiciones de trabajo, seguridad social, redistribución de la tierra, paro, analfabetismo, precios, ...

El reportaje fue publicado en Life, en una época en que las revistas gráficas estaban en pleno auge, aún no había aparecido de forma masiva la televisión.
En el reportaje se incluyeron 17 fotografías de W. Eugene Smith.
Se publicaron unos 22 millones de ejemplares entre la edición original y las reediciones.

Hoy las revistas gráficas no existen y los medios existentes no cultivan el ensayo fotográfico, aspecto con el que estamos totalmente en desacuerdo, pero son las leyes del mercado.
Pensamos que hoy en día sigue siendo necesario el análisis de una realidad tal y como W. Eugene Smith nos enseñó, y que la fotografía sigue teniendo el valor de reflejar la realidad.
Los reportajes con opinión del fotógrafo son intemporales.

El trabajo de Smith sobre Deleitosa, nos hace reflexionar, hoy en día, sobre la gran evolución que el mundo y en especial el mundo rural ha sufrido en España.
En sus imágenes de hace cincuenta años vemos una forma de vivir y de trabajar cercana a la edad media: separación del trigo de la paja apoyándose en el viento, la imagen de "ir a por agua" a la plaza del pueblo denota que no existían las infraestructuras adecuadas dentro de los hogares de los habitantes de la población, ...

David Nebrada :

David Nebrada :

“he pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”
Es muy posible que el nombre de David Nebreda no les sea muy conocido y es porque en realidad es poco lo que se sabe de el, es mínima la información que pude obtener sobre este personaje. Pero eh aquí algo sobre su vida y obra.

David Nebreda nació el primero de marzo de 1952 en Madrid España, diagnosticado de esquizofrenia paranoide crónica a la edad de 17 años. Estuvo internado en varias clínicas durante años hasta que un día decidió abandonarla, dejando el tratamiento sin impórtale.

Se dice que vivía solo en una casa en Madrid que solo tiene 2 habitaciones, la cual usaba como taller y casa. Es vegetariano desde hace 30 años, practica el ayuno y la abstinencia sexual y se somete a extenuantes ejercicios físicos. También disfruta autolesionarse; causándose quemaduras, heridas, llagas y cuanta cosa se le ocurra.
Tras pasar por todo este tipo de mutilaciones, nebreda encuentra el escenario perfecto para tomarse fotografías.
“Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”, escribió el filósofo francés Jean Baudrillard.

En sus fotografías David aparece desnudo, con la piel pegada a los huesos y el cuerpo lacerado, así como también embarrado de su propio excremento.
Muchos críticos de arte han declarado que sus fotos son muestra de un arte formalmente perfeccionista, lleno de tenebrismo; mismas que recuerdan al pintor caravaggio, creador de este término tan conocido.

En su autoexilio nebreda crea una gran cantidad de autorretratos y algunos dibujos que fueron pintados con su sangre. Mismos que hoy se encuentran en la edición Autoportraits, realizada por Léo Scheer.
Obras cuidadas hasta en el último detalle en el sentido de la iluminación y decoración de lo que era su mundo sin salida, su espacio donde el mandaba y no tenia que obedecer a nadie. El autor intenta de este modo tan dramático mostrar su vulnerabilidad y mortalidad para mostrar su realidad. “he pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas”, argumenta nebreda. ¿Pero merece la pena castigarse así?

Su obra casi desconocida en España, ha sido promovida sin embargo en Francia; a eso se debe la poca información en español que pude encontrar acerca del autor.
Las reacciones sobre su obra siempre son extremas: rechazo absoluto o fascinación.

Encerrado en esa casa David intenta curarse haciendo frente a su enfermedad tomándose fotografías de su cuerpo mutilado, de esta forma quiere vencer el miedo que siente de ese padecimiento del que ha sufrido tantos años, así que representándose en una imagen le da la oportunidad de aceptarse como es y seguir la vida.

Mucho es lo que sea cuestionado sobre la legitimidad de esta historia ya que es de sospechar como hacía para revelar las fotos, misma que notan un buen proceso de revelado que difícilmente se lograría en las instalaciones de su casa. También se dice que es vegetariano y pues a la mejor tenía una huerta en el patio, porque no salía para nada de su casa. También publicó un libro mientras estaba encerrado.

Estas y muchas otras cosas se dudan del autor. Pero de lo que no cabe ni la menor duda es de la calidad de sus fotografías, cuidadas y realizadas con gran intensidad. La fuerza de las imágenes en sí mismas (olvidándonos por un momento que reflejan la vida del autor) es impresionante. No pueden dejar a nadie indiferente al verlas.

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Joel Peter Witkin:

Joel Peter Witkin:

en el Círculo de Bellas Artes de Madrid es seguramente una de las que más llaman la atención. Witkin es todo un clásico después de más de 20 años paseando su nombre y sus imágenes por todo el mundo, unas imágenes que no dejan indiferente a nadie, imágenes provocadoras que dejan atrás hasta las de otros controvertidos artistas como el mismísimo Mapplethorpe, al mostrar realidades que acostumbramos a ignorar, dándoles la espalda por no ajustarse a los cánones de belleza a los que nos tiene acostumbrada la televisión, o por suponer un revulsivo frente a la alienación a la que nos vemos sometidos por voluntad propia para evitar hacernos demasiadas preguntas sobre la realidad que nos rodea y sobre nosotros mismos.
Witkin aborda desde el principio de su carrera el tema del otro centrándose en los otros que llevamos dentro: los que no somos pero que podíamos haber sido (enanos, gente deforme) y los otros que podemos ser en potencia, a través de metamorfosis de nuestro cuerpo deseadas o no (transexuales, tullidos), o que vamos a ser tarde o temprano (cadáveres). Sin embargo Witkin busca la belleza en todo ello, lo grotesco se trata con compasión y respeto, y nos obliga a enfrentarnos a la dura realidad, lo efímero de nuestro ser y lo fortuito de nuestra existencia y nuestro bienestar. Con ese trabajo intenta entender, mostrar, hacer reflexionar a quienes se atrevan a mirar, a ver, a quienes no se den la vuelta tras la primera foto y ahonden en los detalles. Porque todo lo que Witkin fotografía existe, esta ahí, aunque no queramos darnos cuenta.





La forma
Witkin no tiene nada que ver con el fotógrafo - cazador de momentos. Es un artista que primero imagina con detalle y hasta dibuja lo que quiere mostrar y luego busca hasta encontrar el modelo adecuado y el decorado ideal. Ha llegado a poner anuncios en prensa buscando enanos, tullidos y todo tipo de freaks para posar en sus fotos. Visita las morgues en busca del cadáver que más se ajuste a su nueva idea o de restos de cuerpos que le sirvan para montar una de sus peculiares y nunca mejor llamadas naturalezas muertas.

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