las 4 dimensiones :
- ancho
- profundo
-largo
-tiempo
cuales son los diapositivos que controlan la luz:
el diafragma = en el cuerpo de lente : compuesto por una serie de laminillas que permiten que la luz sea tiempo de abertura
obsturador = terminos de tiempo.
lente = pemrite el controlador y se monta en la camara. objetivo es la cuestion optica fundamental de la fotografia esta en el lente una serie de cristales mayor o menor gresor, la imagen pasa por 304 elementos.
lente 50 mil = lente normal es el que contiene el angulo similar al ser humano.
cuales son los elementos necesarios para una fotografía:
1- camara.
2- luz
3-soporte.
4-pelicula
imagen latente
el rollo tiene la foto ya tomada funciones de la camara.
Imagen invisible formada en un material fotográfico como resultado de la exposición y que se convierte en visible mediante el revelado.
El proceso de formación de la imagen latente no se ha elucidado por completo, aunque podría consistir en una especie de agregación de átomos de plata bajo la acción actínica de la luz. El tamaño final de estos agregados depende de la intensidad de la luz y parece que constituyen los embriones en torno a los que el revelador generará la imagen visible.
Por debajo de cierta intensidad mínima, la luz no consigue crear núcleos suficientemente estables, lo que explica el fallo de la ley de reciprocidad.
Autor: Gastón Rocha Romero.
Serie: El compadre.
No me gusto esta imagen, no me expresa nada, considero que no esta muy bien enfocada, la iluminación a mi punto de vista no es buena ya que se pierde la textura del señor y eso hace ver a la imagen por una lado mas oscura y por el otro hace que resalte más (falta de enfoque), la imagen se acorta y eso no la hace ver estética ya que si se observa bien continua sin tener un final.
Falto más creatividad, el señor recargado no me hace pensar ni llevarme más alla de una interpretación.
Titulo: Raúl Iván Martínez.
Cuenta cuentos
Autor: Gastón Rocha Romero.
Me gusto:
Una imagen creativa, iluminada, enfocada, la textura muy bien detallada hace que no se pierda el personaje (el centro de tensión), los colores que se manejaron se me hacen buenos ya que agrada a la vista y expresa armonía.
Se puede interpretar sin dificultad, el contorno de la imagen se me hace muy buen manejo. En sí fue la imagen que más me gusto por que se hace ver distinta a las otras imágenes. Hace que pierda lo casual, y eso se me hace muy bueno ya que a mi punto de vista la imagen la vuelve importante y subjetiva, y esto hace que salga un poco de lo casual al poder ver creatividad a mí parecer.
Me gusto:
En la imagen puedo ver una niña con un vestido blanco de cabello largo y tras de ella hay hierbas verdes y un charco de agua, por otro lado nubes y un rió intenso, yo preservé de esta imagen dos caminos de la vida
El primo donde tu estas como triunfador sin limitaciones y nada que te pueda detener.
Por otro lado ve un camino de inseguridad, pausa, barreras que hacen que te detengas, confusión, el río choco latazo me demuestra que el camino sigue largamente sabiendo tu elegir por donde seguir.
Se me hace muy buena imagen, sus colores, la iluminación y la textura que se le da, muy creativa y luego te lleva a darle una interpretación que no se dificulta por que se ve tan real, como nos pasa en la vida actual. me encanto es dificil darle un criterio ya que se me hace una excelente imagen, buen enfoque.
TIPOS DE CÁMARAS:
Aunque existen multitud de tipos y formatos de cámaras fotográficas, esencialmente y cara al aficionado las más conocidas son las de formato 35 mm (24 x 36 mm a cuadro completo) y dentro de estas, hay que distinguir entre las cámaras réflex y las compactas, que a su vez pueden ser analógicas o cámaras digitales, existiendo multitud de marcas de cámaras.
Hoy en día las cámaras de fotos más interesantes para los aficionados a la fotografía son sin lugar a dudas las cámaras digitales. Las cámaras compactas digitales son las más populares porque su reducido tamaño las hace propensas a llevar a cualquier lado y su facilidad de uso hace que cualquiera pueda tomar fotos con unos mínimos conocimientos.
Sin embargo si deseamos obtener resultados mucho mejores deberíamos optar por una cámara réflex digital, Nikon Coolpix 5700, Canon PowerShot S3 IS, Canon EOS 20D Digital SLR, Nikon D60, Canon EOS Digital Rebel XTi, Nikon D300, Nikon D700 o similares. Por supuesto, hay muchas otras marcas y modelos muy profesionales como la Canon EOS 5D o la Nikon D3. Son de mayor tamaño pero disponen de posibilidades tales como el ajuste del tiempo de exposición, la apertura de diafragma, el zoom en el caso que el objetivo lo posea, ajuste del enfoque, posibilidad de sincronía con el flash auxiliar, una mayor velocidad de respuesta y otras características tanto en modo manual como automático, no disponibles en cámaras compactas.
Las cámaras reflex digitales o SLR digitales, llevan internamente un sistema de prismas y espejos, de forma que lo que vemos por el visor, realmente es lo que se ve por el objetivo.
Un espejo, con una inclinación de 45º, detrás del objetivo, dirige la luz que entra por este hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual ofrece un encuadre real libre de errores. Además, en la mayoría de los casos, las cámaras réflex digitales, permiten intercambiar los objetivos mediante un sistema de rosca o bayoneta utilizando el mismo cuerpo. De esta forma podremos utilizar un objetivo de distancia focal fija o un zoom, ya sean gran angular o teleobjetivo.
Tal vez cámara digital réflex interesante para el aficionado sea la Nikon D90 que incorpora la capacidad de grabación de vídeo en alta resolución y que es capaz de detener la grabación para hacer fotos con solo pulsar el disparador.
Cámara Réflex
Réflex es el nombre genérico aplicado a todas las cámaras provistas de un visor con un espejo que refleja la imagen en una pantalla de enfoque.
Hay dos tipos básicos:- La cámara réflex de un solo objetivo (SLR) tiene un espejo móvil que se aparta de la trayectoria de la luz durante la exposición.
De esta forma un solo objetivo cumple las funciones de encuadre y toma.
Frecuentemente el visor incorpora además un pentaprisma que presenta al fotógrafo una imagen boca arriba y sin inversión lateral.-
La cámara réflex de dos objetivos (TLR) tiene dos sistemas ópticos de idéntica longitud focal, uno para el visor y otro para la exposición. Detrás del superior (el del visor) hay un espejo que refleja la luz hacia la pantalla de enfoque.
A distancias cortas, la separación entre ambos objetivos provoca un error de paralaje.
Actualmente sólo hay TLR para formato mediano. En cuanto a las SLR, hay algunos modelos de gran calidad para formato mediano,
Aunque la inmensa mayoría son de 35 mm.
Cámara Réflex SLR
Una cámara réflex SLR (Single Lens Réflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada.
Ello se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos.
Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales (DSLR).
Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y profesionales ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos.
En general poseen las siguientes características:
- Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo.
- Objetivos intercambiables.
- Fotómetro o exposímetro incorporado.
- Zapata de conexión para flash externo.
- Control (anillo) de enfoque manual.
- Obturadores muy rápidos.
APERTURA DEL DIAFRAGMA:
Para entender cómo funciona el diafragma, podríamos comparar la luz con un chorro de agua. Si en un recipiente que contiene agua realizamos una perforación pequeña, en un lapso de tiempo de, por ejemplo, un segundo, el agua que atravesará ese orificio será menor que si hubiéramos practicado un orificio mayor.
Las cámaras fotográficas poseen entre sus lentes un orificio de diámetro regulable a través de otro anillo alrededor del cuerpo de la lente. Cuando modificamos el diámetro de ese orificio, permitimos que pase más o menos luz. Luego, además, podremos medir con el obturador cuánto tiempo queremos que ese orificio permanezca abierto, es decir, por cuánto tiempo deseamos que pase luz hacia la película o que incida en el sensor de imagen digital.
Diafragma es el dispositivo que controla la cantidad de luz, y sus valores son: F2, F2.8, F4, F5.6, F8, F11, F16, F22, estos varian de acuerdo a la camara, pero por lo general siempre oscilan entre esos números
Obturador es uno de los principales mecanismos de la cámara, cuya función es regular el tiempo que la luz impresiona la pélicula y, por lo tanto, junto con el diafragma, controla la exposición para que la emulsión reciba la cantidad exacta de luz proyectada por el objetivo que se necesita para formar la imagen latente.
Exposímetro instrumento que mide la intensidad luminosa y determina los valores de abertura y velocidad de obturación para obtener una exposición correcta.
Gaspar Felix Nadar
Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.
Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.
Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.
Se lanzó a la fotografía aérea, en 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir "El Gigante" de la ciudad de Petit-Bicetre, 10 años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomada sobre una sola placa al colodión de gran formato.
En 1864 publicó la historia de sus viajes "Las memorias del Gigante" un año después "El derecho a volar".
Nadar fallece en 1910, dejando una enorme producción fotográfica: más de 450.000 placas de cristal que obran en poder de la hija de Paúl Nadar.
Nicéforo Niepce
En el año de 1822, Nicéforo Niepce, un químico francés, obtiene la primera imagen perdurable por medio del yoduro de plata. Usando una cámara oscura comprada a un fabricante llamado Chevalier logra, después de una exposición de ocho horas al aire libre, la imagen que desde entonces se conoce como "La mesa servida".
Posteriormente, Niepce se asocia con Daguerre, pintor y decorador, para continuar juntos experimentos con objeto de mejorar el procedimiento. Muerto Niepce, Daguerre continúa las búsquedas y descubre el "Daguerrotipo", procedimiento consistente en obtener imágenes sobre planchas metálicas impregnadas de vapores de mercurio.
Las imágenes de Niepce y Daguerre, eran obtenidas directamente en positivo, por lo tanto no podían reproducirse. Fue Henry Fox Talbot en Inglaterra, el descubridor del negativo y, por consiguiente, del sistema que permita a la fotografía su reproducción ilimitada.
En los años que siguieron, la cámara oscura y la fotoquímica tuvieron un desarrollo impresionante. Con el Daguerrotipo, la fotografía - así bautizada por Talbot - se vuelve popular y empiezan a surgir los fotógrafos profesionales.
Como uno de los más importantes cabe destacar a Nadar.
La plancha metálica es sustituida por el cristal y, posteriormente, por el celuloide, material más flexible. Las emulsiones químicas llegan a tener una gran sensibilidad y permiten la toma "instantánea" de imágenes en movimiento.
Es en 1887, que en los Estados Unidos, Aníbal Goodwin inventa el rollo fotográfico, mismo que Eastman/Kodak industrializará de inmediato, creando de este modo una de las bases sobre las que habría de edificarse la sociedad de consumo.
Eastman fabricó cámaras fotográficas a precios populares que venían cargadas de fábrica y tenían que enviarse al laboratorio para extraerles y revelar el rollo.
En 1897, Eastman Kodak lanzó el slogan siguiente: "Apriete usted un botón, nosotros hacemos lo demás."
Con el advenimiento de la película supersensible y, por consiguiente, de la instantánea, los hombres empezaron a preocuparse por representar el movimiento en su continuidad.
CINDY SHERMAN :
Irónica casi siempre y grotesca en muchas ocasiones, Sherman maneja con una soltura digna de admiración iconos y códigos visuales aprendidos de la publicidad, el cine, la historia del arte y, sobre todo, del papel cliché de la mujer de hoy en día, con cuya piel se ha vestido en tantas ocasiones
Entre 1975 y 1980 Cindy Sherman realiza una serie que titula “Untitled Film Stills”, la cual consta de retratos fotográficos que rompen con el modelo tradicional porque trascienden al sujeto retratado, desconstruyen al individuo: los convierte en pretextos con los cuales repesenta estados de ánimo y crea, también, estereotipos de mujeres que representa con humor e ironía.
Se sitúa a ella misma delante de la cámara y realiza series de autoretratos caracterizándose en diversos arquetipos de mujer de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, que van desde un ama de casa, una secretraria, una actriz, hasta una bailarina y una prostitua.
Situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras a color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa.
En 1981 realizará la serie “Centerfolds” donde sus mensajes irónicos se asimilan a la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas.
Este humor se transmuta luego a la imágen de lo grotesco, lo terrorífico e incluso lo repugnante, con la abierta intención de provocar al espectador.
Sherman realiza entonces “History Portraits” (1990), una serie de retratos en los que la mujer es representada como personajes de obras de arte pero transformadas completamente, mostrádolas desnudas o embarazadas y envueltas siempre en entornos provocativos.
A finales de los ochenta Cindy Sherman da un paso más y ahonda en la crítica al trato y la condición de la mujer, realizando fotografías en las que abundan comidas pudriéndose y penes de plástico. Por esta época crea su serie “Sex pictures” en la que toca el tema sexual con la misa estética: muñecas desmembradas, escenas sexuales con máscaras, con armas.
Ahora sus fotos pasan del blanco y negro de los primeros años a colores chillones que subraya el tono agresivo y dramático.
Carlos Jurado
Biografía:
Nace en 1927 en el estado de Chiapas. En 1944 inicia estudios de pintura en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y Maria Izquierdo.En 1951 trabaja en zona indígenas del país, produciendo materiales para la enseñanza.
En el transcurso de los años ha desempeñado diversas actividades tanto en la producción artística como académicas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.
Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.
a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.
Richard Avedon
Avedon fue el responsable de la revolución que sufrió el mundo de la fotografía de moda en los años 50, ya que consiguió que las modelos posaran de forma natural, riendo, andando y tal y como se portaban en su vida normal, en lugar de las envaradas poses a las que todo el mundo estaba acostumbrado.
Más adelante realizó unos retratos con una impactante calidad psicológica que, según sus propias palabras son la forma de explicar a los demás muchas cosas sobre mí
A los cinco años fue inscrito por sus padres en la Witt Clinton High School y después completó sus estudios en la Universidad de Columbia, de la que salió para inscribirse en la Marina Mercante Americana, en la que enrolado durante los años 1942 al 1944.
Cuando salió de la Marina se apuntó en las clases de Alexey Brodovitch, en el Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York. Fue precisamente Brodovitch, editor de la revista Harper’s Bazaar, el que contrató a Avedon como fotógrafo. Durante años (1947-1984) se encargó de retratar las colecciones parisinas y docenas de reportajes de moda.
Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World’s Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).
El año siguiente la editorial Simon y Schuster publica el libro Observations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote.
Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.
Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.
Sus retrospectivas se han exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, la National Portrait Gallery de Londres o el Palazzo Real de Milán. Además, el trabajo de Avedon se ha podido contemplar de forma permanente en colecciones selectivas de prestigiosos museos como el Metropolitan de Nueva York o el Victoria and Albert Museum de Londres.
El fotógrafo neoyorquino falleció en el hospital San Antonio (Texas) el 1 de octubre de 2004 tras sufrir una hemorragia cerebral mientras realizaba un reportaje para el periódico The New Yor
Manuel Alvarez Bravo
No
Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.
Nació el 4 de febrero de 1902 en la ciudad de México, su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la profesión que lo proyectaría a todo el orbe, fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.
puedo explicar con claridad en que consiste el arte de Manuel, pero le da un toque de misterio a todo lo que enfoca. El realismo de sus fotografías no es un realismo crudo, y sus ambientes siempre están envueltos en una atmósfera lírica de gran atractivo. Con el blanco y negro en una tierra de color, Álvarez Bravo capta, desnuda y sintetiza el drama y la belleza de lo mexicano.
Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.
CARTIER-BRESSON
CARTIER-BRESSON, Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.
Gerda Taro
Gerda Taro, cuyo nombre era Gerta Pohorylle, nació el 1 de agosto 1910 en Stuttgart (Alemania), en el seno de una familia judía en un ambiente altamente burgués.
Gerda se sentía diferente desde un principio: su energía vital, su belleza física y su autoestima inquebrantable, hacían de ella el blanco natural para el chisme envidioso de sus compañeras.
A los diecisiete años, estudia en un internado suizo y todo apunta a que se casará con un industrial inglés, para vivir una vida de enfant terrible, dentro de la alta sociedad. Entonces se produce un cambio en su vida mucho más importante de lo que inicialmente parece: su padre tiene que huir de Stuttgart por una cuestión de deudas acumuladas. La familia se traslada a Leipzig, una ciudad mucho menos burguesa que Stuttgart.
Los locos años veinte están a punto de acabarse y nacen los treinta, década de los grandes movimientos políticos radicales. Gerta conoce a Georg Kuritzkes, hijo de Dinah Gelbke, revolucionaria, comunista y conocida de Lenin.
Gerda descubre aquí su verdadero mundo: de la muñequita bonita, sale la mujer política, de convicciones muy fuertes contra el fascismo, contra la dictadura, contra un mundo inhumano. Nace también la Gerda que se enfrenta a los tópicos como a ella le place. (”Me doy cuenta que una puede estar perfectamente enamorada de dos hombres.¡ Que se vayan al diablo ! Si me comiera el coco sería muy tonta”, escribe a una amiga).
El 30 de enero 1933, Hitler es proclamado canciller del Reich. Su actividad política la lleva, rápidamente, a un enfrentamiento con este régimen. Gerda decide huir con una amiga a París después de haber sido detenida y puesta en libertad.
Entonces, una noche Gerda propone a Andre la creación de un personaje fantástico: el famoso fotógrafo norteamericano Robert Capa. Éste, según su fraudulenta historia, ha venido a Europa a trabajar, es demasiado famoso para quedar con nadie y vende sus fotos a través de sus representantes: Friedmann y Pohorylle, al triple del precio que un fotógrafo francés.
El truco funcionó a la perfección y el tándem comenzó a vender las fotos, hechas indistintamente por Friedmann o Gerda. Ha nacido el mito, el personaje, Robert Capa.
En el 36 la pareja se trasladó a España para captar todo el horror de la Guerra Civil.
Pasan la frontera por primera vez el 5 de agosto 1936, cuando apenas habían cumplido los 26 (Gerda) y los 23 años (Andre).
Armados con una Leica (usada sobre todo por Capa) y una Rolleiflex (en manos de Gerda), sacan las primeras fotos en una Barcelona hirviente y segura de la victoria.
Sus primeras fotos ya muestran lo parecido de su estilo, centrado en la experiencia humana de la guerra. Al margen de toda convicción política, más fuerte en Gerda que en Robert, ambos centran su interés en la gente sometida a las diversas situaciones de la guerra.
Andrés Serrano
En 1989 Andrés Serrano se hizo internacionalmente conocido cuando el senador de los Estados Unidos, Jesse Helms, atrajo la atención hacia su trabajo. Helms se violentó porque dinero del gobierno federal se había utilizado para costear una exhibición de Serrano titulada "Orina-Cristo:" la fotografía de un crucifijo sumergido en la orina de Serrano. Su trabajo posterior ha incluido fotografías que describen la trajectoria de la esperma en una ejaculación, gente sin casa, y el Ku Klux Klan.
Las fotografías recientes de Serrano, de cadáveres, crean interrogantes acerca de la muerte y el arte, arte y provocación. De primera impresión, estas reproducciones enormes hacen a uno preguntarse, cómo y cuándo y porqué Serrano hizo estas imágenes.
Es una costumbre en Serrano investigar el tema con una sucesión de imágenes que estan temáticamente relacionadas. Serrano insiste en examinar temas controversiales y poco agradables incluyendo representaciones religiosas, inhibiciones hacia los fluídos del cuerpo, racismo, el Ku Klux Klan y la injusticia con las personas sin casa.
Para Serrano "no hay limitaciones morales cuando se trata de arte, con la excepción de aquellas que el artista decide seguir con su conciencia." Algunos críticos neoyorquinos lo han acusado de tener valores dobles, queriendo impresionar y gustar a la misma vez.
Serrano evita ser moralmente instructivo, pero sutil y enérgicamente invoca asociaciones sicológicas acerca de la humanidad y su temporalidad.
JULIA MARGARET:
Julia Margaret Cameron nació en la India 1815 y fue la más pequeña de cuatro hermanos. Dicen que era extravagante porque su comportamiento distaba mucho del de las mujeres de su época. Y la han descrito como masculina, por ser directa y sincera, por mostrar su espíritu de inciativa
En 1838, se casó con un hombre 20 años mayor que ella y volvió a la India, donde se convirtió en la guía del ambiente mundano de los europeos que residían en Calcuta. Aborrecía el excesivo formalismo de las convenciones de la sociedad colonial. En 1848, volvieron a Inglaterra, donde siguió deleitando a sus eminentes invitados —poetas, pintores, literatos,... — con sus originales puntos de vista.
En 1863, cuando Julia Margaret Cameron se quedó sola en casa —sus hijos ya eran adultos y su marido hacía frecuentes viajes a Ceilán— atravesó una profunda depresión por la inactividad y la falta de objetivos en su vida. Un día, su hija le regaló una aparatosa cámara fotográfica de madera, un objetivo Jamin y un equipo de revelado, con la siguiente dedicatoria: «Mamá, tal vez te guste hacer alguna fotografía durante tu estancia solitaria en Freshwater». Julia tenía entonces 48 años, y su hija ni podía imaginar la carrera que iniciaría su madre con ese regalo.
Su carrera fotográfica duró sólo 12 años, pero su técnica tuvo un gran impacto en la evolución de la fotografía moderna, sobre todo sus retratos de cerca.
MISHA GORDIN :
Este fotógrafo ruso (1945), se ha dedicado a la fotografía conceptual en dónde su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad. Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando en todos ellos una atmósfera de constante búsqueda para expresar a través de este medio sentimientos y pensamientos.
Gordin define así la fotografía conceptual:
“¿Apunto mi cámara exteriormente hacia el mundo que existe o hacia mi alma? ¿Saco fotos de la realidad tangible o creo mi propio mundo, tan real como inexistente? Los resultados entre estos dos enfrentados abordamientos son notablemente disímiles y, en mi opinión, la fotografía conceptual resulta una forma superior de expresión artística, que la instala al nivel de la pintura, la poesía, la música y la escultura. Utiliza el talento especial que posee una visión intuitiva. Al traducir los conceptos personales al lenguaje fotográfico, se reflejan posibles respuestas a las mayores incertidumbres de la humanidad: el nacimiento, la muerte, la vida. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual.”
Lograr plasmar realidades que más parecen sacadas de una imaginación surrealista, es lo que ha llevado a este artista a desarrollar estos conceptos que muestran la fragilidad del hombre enfrentado a su propio mundo, a un mundo que lo aleja y que lo confunde en la masa pero que a la vez lo rescata desde su propia individualidad.
Los invito a que miren este trabajo y se dejen llevar por sus propias sensaciones al observar a estos seres en blanco y negro.